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PROFILE

あけわか

アーティスト

沖縄県出身・大阪在住

Youtube「あけわか美術館」

チャンネル登録1.08万人突破

2026年11月21日＆22日📍東京

個展「ひまわり展」開催決定🎉

🇬🇧ターナー着想

No.1「黎明のひまわり」
1年間ひまわりを描き続けるプロジェクトの記念すべき第1作目。
イギリスの画家ジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナーが追求した、光と大気の表現から着想を得て、これから始まる未知の旅への期待と不安、そして「自分のペースで進んでいく」という決意を描いた作品です。
タイトルの「黎明」には、夜明けや物事の始まりという意味があります。
まだ何も見えていない霧の中。
これから1年間、どんなひまわりを描くことになるのか、自分自身にも分からない。
その未知の状態を、輪郭のはっきりしないひまわりとして表現しました。
霧の向こうから差し込む光は、これから少しずつ視界が開けていく未来への希望。
まだ完成形が見えないからこそ、そこには期待も不安も同時に存在しています。
この作品で特にこだわったのが、「布」で描くこと。
ターナーの作品から感じた、筆だけでは生み出せないような光や大気の表現を追求するため、あえて筆を使わず、布を使って絵の具を画面に重ねました。
布を使うことでキャンバスとの距離を近づけ、絵の具を直接触りながら、光や空気を身体で感じるように描いています。
その結果、輪郭が溶け、色と色が混ざり合い、光そのものが画面から立ち上がってくるような柔らかな空気感が生まれました。
そして、画面の端に小さく描かれているのが「亀」です。
これは、ターナーの《雨、蒸気、速度――グレート・ウェスタン鉄道》に登場する、速度を象徴するウサギへの対比でもあります。
速く進むことではなく、
「遅くてもいい。自分のペースで、一歩ずつ進んでいく。」
そんな決意を、童話『ウサギとカメ』のカメに重ねました。
ひまわりプロジェクトのスタート
まだ霧の中にいて、先の景色は見えない。
それでも朝日は確実に昇り、ひまわりはその光の中で少しずつ姿を現していく。
「これから、どんなひまわりが生まれるのだろう。」
そんなワクワクと、静かな闘志を込めた、1年間の物語の幕開けとなる作品です。

🇫🇷クロード・モネ着想

No.2「水面に映るひまわり」
「ひまわりプロジェクト」の第2作目。
印象派の巨匠クロード・モネが生涯をかけて描き続けた《睡蓮》から着想を得て、水面に映るひまわりを描いた作品です。
太陽に向かって咲くひまわりを、あえて画面には描いていません。
そこにあるのは、水面に揺らめきながら映り込む、もう一つのひまわり。
モネが晩年、目の前の風景そのものではなく、水面に映る空や光、色の変化を見つめ続けたように、ひまわりを「別の視点から見る」ことに挑戦しました。
本来なら出会うことのない睡蓮とひまわりを一つの水辺に重ねることで、現実には存在しない幻想的な風景を生み出しています。
青く静かな水面の中に、黄色や緑、そしてところどころに差し込まれる赤。
水の揺らぎによってひまわりの形は曖昧になり、実体なのか反射なのか分からなくなっていきます。
そこにあるのは、はっきりとした花ではなく、光と色がゆっくりと揺れる時間です。
制作では、モネの《睡蓮》を研究する中で、初期の睡蓮作品に見られるような、柔らかく繊細な筆致を意識。
何度も塗り重ね、リセットする工程を繰り返したことで、画面には厚みのある絵の具の層が生まれました。
そして、この作品に込めたもう一つの大きなテーマが、「見つめ続けること」。
モネが同じ「睡蓮」を何十年にもわたって描き続けたように、あけわかもここから一年間、ひまわりという一つのモチーフを見つめ続けていく。
その決意を、モネへの敬意とともにこの一枚に込めました。
見えているものだけが、世界のすべてではない。
水面に映ったひまわりにも、もう一つの美しい世界が存在している。
そんな静かな気づきと、見る人の心をそっと癒すような時間を届ける作品です。

🇫🇷ルノワール着想

No.3「ひだまりのひまわり」
ピエール＝オーギュスト・ルノワールが描いた、「見る人を幸せにする絵」という思想から着想を得て制作した作品です。
ひまわりプロジェクト第3作目となるこの作品では、「幸せに満ちた世界」や「多幸感」をテーマに描きました。
モデルは、ひまわりのように周囲を明るく照らす存在として惹かれた HANAのKOHARUさん。その柔らかな表情や佇まいを通して、人が持つ温かさや生命力を表現しています。
画面いっぱいに咲くひまわりは、太陽の光だけでなく、人が誰かを笑顔にする力の象徴です。優しい青空と光に包まれた空間には、穏やかで幸福な時間が流れています。
ルノワールの技法を学び、影に黒を使わず、青や紫、緑を重ねることで、透明感のある光を描きました。
また、人物の輪郭を背景へ溶け込ませるようにぼかし、柔らかな空気や肌の温もりを表現しています。肌の質感にはメイクブラシも用い、繊細な色の重なりを追求しました。
苦しい時代を生きながらも、美しいものや幸せを描き続けたルノワール。
その眼差しに学びながら、私もまた、見る人の心が少しでも温かくなるような世界を、ひまわりに託しました。
幸せは特別な出来事ではなく、誰かの笑顔や、やわらかな光の中にそっと咲いている。
そんな願いを込めた作品です。

🇳🇱フェルメール着想

No.4「光のアトリエ」
"ヨハネス・フェルメールが描いた、静かな室内と柔らかな光の表現から着想を得て制作した作品です。
描かれているのは、アトリエでひまわりと向き合う私自身の姿です。
まるで誰かがそっと扉の隙間から覗き込んでいるような構図にすることで、制作という誰にも見せない時間を、一つの小さな物語として描きました。
画面を囲む大きな黒は、暗闇ではなく「覗き窓」です。
その奥にだけ光が差し込み、静かなアトリエの時間が広がっています。見る人は、その空間へそっと招かれるように、制作の瞬間を目撃します。
キャンバスの中では、ゴッホの《ひまわり》を描いています。
画家から画家へ、時代を越えて受け継がれる創作への憧れや対話を、この一枚に込めました。
フェルメールが追い求めた光を学び、ポワンティエ（点描による光の表現）を用いて、窓から差し込む穏やかな光や空気の粒子を表現しています。
また、植物、衣服、椅子、金属など、それぞれ異なる質感を丁寧に描き分けることで、静かな日常に宿る美しさを描きました。
特別な出来事ではなく、ただ一人、ひまわりを描き続ける時間。その何気ない瞬間こそが、私にとって最も尊い時間です。
創作は、誰にも見えない場所で静かに積み重なり、やがて一枚の絵となって光の中へ現れる。
そんな制作の日常と、絵を描く喜びを表現した作品です。"

🇳🇱レンブラント着想

No.5「浮かび上がるひまわり」
"17世紀オランダの画家レンブラントが追い求めた「光と影」の表現から着想を得て、暗闇から浮かび上がるひまわりを描いた作品です。
深い闇の中で、光がひまわりを照らしています。
その光によって、花びらは黄金色に輝き、静かに、しかし力強く命の存在を語り始めます。
レンブラントが人物の内面を光で描き出したように、この作品では、ひまわりを一つの生命として捉え、その存在感を光によって際立たせました。
強い光があるから闇が生まれるのではなく、深い闇があるからこそ光は美しく輝く。
この作品は、光と影、生と死、強さと儚さといった相反するものが共存している世界を、ひまわりを通して表現しています。
どれほど深い闇の中にいても、命は光を受ければ、再び輝き始める。
そんな静かな希望を、この一枚に込めました。"

🇫🇷セザンヌ着想

No.6「リンゴとひまわり」
"ポール・セザンヌが追い求めた「形」の探究から着想を得て制作した作品です。
ひまわりプロジェクト第6作目となる本作は、それまでの「光」をテーマにした制作から一歩進み、「形」を見つめる新たな章の始まりを表しています。
セザンヌは、自然を球体・円柱・円錐として捉え直し、見たままを写すのではなく、物の本質を画面の中で再構築しようとしました。その視点にならい、この作品でも花瓶や籠、瓶、りんご、布など、複数のモチーフを組み合わせ、それぞれの存在感を「形」と「面」の積み重ねによって描いています。
また、一つの視点ではなく、正面や斜め、上から見た視点を画面の中に共存させることで、静物画でありながら、どこか揺らぎのある空間を生み出しています。
画面に並ぶりんごは、セザンヌへの敬意を込めた象徴です。
そして、その隣に咲くひまわりは、このプロジェクトそのものを象徴しています。
二つのモチーフを同じ画面に並べることで、巨匠の思想と、自分が描き続けるテーマとを結び付けました。
制作では何度も描き直しを繰り返し、「完成」ではなく「より良い形」を探し続けました。その試行錯誤の積み重ねこそが、この作品の一部になっています。
見えている形を描くのではなく、その奥にある構造を描く。
セザンヌが追い求めた視点を借りながら、ひまわりという一つのモチーフの新たな可能性を探った作品です。"

🇪🇸ピカソ着想

N0.7「キュビスムの花」
"パブロ・ピカソが生み出したキュビスムの思想から着想を得て、「多視点で捉えたひまわり」を描いた作品です。
私たちは普段、一輪の花を一方向からしか見ることができません。
しかし、ひまわりには正面だけでなく、横顔も、後ろ姿も、真上から見た姿も存在しています。
この作品では、それらすべての視点を一つの画面に同時に描き込みました。
花びら、葉、茎、花瓶。それぞれの形は一度解体され、新たな関係性の中で再構築されています。
一見すると不自然で、現実には存在しない形にも見えますが、それぞれの要素は互いにつながり合い、一輪のひまわりとして調和しています。
ピカソが「見たもの」ではなく「知っているもの」を描こうとしたように、私もまた、見えている姿ではなく、ひまわりという存在そのものを描こうとしました。
背景には、色を塗り重ねてから削り出す技法を取り入れ、時間の積層や独特の質感を表現しています。形だけでなく、画面そのものにも「壊して生み出す」という発想を取り入れました。
リアルさを追い求めるのではなく、まるでおもちゃ箱を開けたような驚きや楽しさの中で、新しいひまわりの姿を探しています。
一つの視点では、本当の姿は見えてこない。
形を壊すことで初めて見えてくる、新しい「ひまわりらしさ」を表現した作品です。"

🇬🇷キリコ着想

No.8「形而上的ひまわりのある室内」
"「形而上絵画」の創始者、ジョルジョ・デ・キリコの、現実の中に潜む説明できない違和感や謎めいた世界観から着想を得た作品です。
舞台は、一見すると日常的な室内。
しかし、そこには不自然に歪んだ遠近法や、長く伸びる影、窓の向こうに広がる建物など、どこか現実とは違う空間が広がっています。
画面中央に置かれているのは、生命感のある植物としてのひまわりではなく、まるで板やオブジェで作られたような無機質なひまわり。
そのシルエットと実体は紐で結ばれ、二つの存在が同時にそこにあるような、不思議な関係性をつくっています。
さらに室内には、エレベーターの扉を開けるとエスカレーターが現れ、その先が空へとつながっているという、現実ではあり得ない空間を描きました。
これは、日常の中で感じる「言葉や物の区別がつきにくい」という自身の感覚を、キリコの「説明できない違和感」として絵の中に落とし込んだものです。
窓の外の風景と、室内に置かれた額縁の中の空間。
一つの画面の中に複数の奥行きが存在することで、どこまでが現実で、どこからが空想なのか分からなくなるような、夢と現実の境界をつくっています。
色彩も、模写からオリジナル作品までパレットを洗わず、同じ色を使い続けることで、作品全体に一貫した茶・オレンジ・青・黒の空気感を持たせました。
本来なら生命や希望を象徴するひまわりを、あえて「謎」や「違和感」の中に置く。
そのことで、明るく力強いひまわりとはまったく違う、静かで少し不穏な表情を引き出しています。
「なぜここにあるのだろう？」
そんな小さな疑問から、見る人それぞれの物語が始まる。
現実の背後にある、説明できない世界を楽しむための作品です。"

🇳🇱モンドリアン着想

No.9「黒・白・黄のひまわりのコンポジション」
"モンドリアンが追い求めた「究極の調和」に着想を得て制作した作品です。
この作品は、49作品のひまわりを、一枚の画面へと抽象化したものです。
花びらも、葉も、茎も描いていません。
黒、白、黄。
水平と垂直。
要素を極限まで削ぎ落とし、それでもなお「ひまわり」と感じられる形を探りました。
モンドリアンは自然を単純化することで、その奥にある普遍的な秩序を表現しようとしました。
私も「ひまわりらしさとは何か」という問いと向き合い最も少ない要素で表現した作品です。"

🇮🇹モランディ着想

No.10「永遠を願うドライフラワー」
"ジョルジョ・モランディが、同じ静物を何十年も見つめ続けた眼差しに着想を得て制作しました。
ひまわりは、美しく咲くほど、終わりへ向かっていきます。
だから私は、その時間を止めたくなりました。
生花ではなく、ドライフラワーとして。
命は終えても、美しさだけはそこに残り続ける。
それは、人が古くから抱いてきた「永遠であってほしい」という願いそのものなのかもしれません。
派手さはありません。
静かで、弱くて、もろい。
それでも、時間の流れの中で確かに存在し続ける。
モランディが教えてくれたのは、目立つものではなく、静かに在り続けるものの美しさでした。
この作品は、ひまわりの命ではなく、その余韻を描いた一枚です。"

🇫🇷ルドン着想

No.11「夢の中のひまわり」
"フランスの画家オディロン・ルドンの幻想的な世界に魅了され、
「ルドンのような、夢の中にある世界でひまわりを描きたい」という思いから生まれた作品です。
現実には存在しないような空間の中に、大小さまざまなひまわりが浮かび、まるで踊っているかのように配置されています。
机や床といった明確な境界線をあえて描かず、どこに花が咲いているのか分からない空間にすることで、夢の中を漂っているような浮遊感を表現しました。
制作の途中では、最初の構図に物足りなさを感じ、一度すべてを消して描き直すという大きな決断もしています。
そこから、大小のひまわりが空間の中を自由に動き回るような構成へと変化。
花の向きや大きさにも変化をつけることで、静物でありながら踊っているような生命感を生み出しました。
また、ルドンのパステル作品が持つ柔らかく幻想的な質感を参考に、アクリル絵の具だけでなくクレパスも組み合わせています。
ルドンの花の作品にはさまざまな種類の花が登場しますが、今回はあえて「ひまわりだけ」という制約を設定。
その限られたモチーフの中で、色や形、大きさ、向きを変化させながら、豊かな表情を引き出しました。
現実のひまわりを描くのではなく、「ひまわりが夢を見たら、どんな世界になるだろう？」
そんな自由な発想から生まれた、幻想と生命力が共存する一枚です。"

🇦🇹クリムト着想

No.12「幸福の抱擁」
"クリムトの《希望》から着想を得て、「幸福」という目に見えない感情を、女性と擬人化されたひまわりの抱擁として表現した作品。
寄り添い、抱き合う女性とひまわり。
その二人の間からは花畑が広がり、まるで幸福そのものが生命を生み出し、世界へ広がっていくような構成になっています。
クリムトが人物や装飾を象徴的な「記号」として描いたことから、背景には四角と丸のモチーフを取り入れています。
四角は「理性」、丸は「本能」を象徴し、異なるものがひとつになることで生まれる調和を表現しています。
また、クリムトを象徴するゴールドを取り入れることで、幸福の神聖さや特別な輝きを演出。
背景にはスパッタリングを施し、二人から幸福のエネルギーが周囲へ放射されていくような表現にしています。
当初は力強い目線の女性を描く予定でしたが、最終的には目を閉じた穏やかな表情に変更。
幸福を誰かに見せるのではなく、自分自身の中で静かに噛みしめている瞬間を描きました。
さらに、画面下には卵のようなひまわりの蕾を配置。これから生まれる生命や、新しい幸福の芽生えを象徴しています。
「幸福は、どこか遠くにあるものではなく、誰かと寄り添い、愛し合う瞬間の中に生まれる。」
そんなメッセージを、クリムトの装飾性とあけわか自身の「ひまわり」の世界観を重ねて表現した一作です。"

🇳🇴ムンク着想

No.13「ひまわりの不安」
"本来、太陽の光を浴びて力強く咲くひまわりを、あえて一人の女性として室内に立たせることで、「明るいもの」とされる存在の内側にある不安や孤独を表現した作品。
窓の外には光が差し込み、壁には鮮やかなひまわり畑の絵が飾られています。
けれど、そこにある光は彼女自身が触れることのできないもの。
明るい世界を目の前にしながら、そこへ行くことができない。
そんな閉塞感を、室内という限られた空間の中に閉じ込めています。
中央に立つ「ひまわりの女性」は、一般的なひまわりのイメージとは異なり、茶色や紫を帯びた少しくすんだ色で描かれています。
これは、「ひまわり＝明るい・元気・前向き」という周囲から期待されるイメージと、実際の自分の内側にある不安や落ち込みとのギャップを象徴しています。
ムンクが、目に見える風景そのものではなく、自分が経験した感情や心の状態を絵画として表現したように、あけわか自身も「ひまわり」というモチーフに自分自身の内面を重ねました。
さらに、窓の外やポスターには「明るいひまわり」が配置される一方、本棚や室内の影、手前の蔦によって、どこか覗き見られている・監視されているような緊張感を生み出しています。
それによって、
「人からは明るく見えているけれど、本当の私はどうなんだろう？」
という問いを作品の中に残しています。
一度完成させた作品を塗りつぶして、もう一度描き直したという制作過程そのものも、この作品のテーマと重なります。
「明るいひまわり」を描くだけでは終わらせず、その奥にある感情と向き合った、ひまわりプロジェクトの中でも特に内面的な一作です。"

🇩🇪キルヒナー着想

No.14「苦しくなれと願って叶って滑稽」
"「苦しくなれ」と願った相手は、他人ではなく自分自身。

自分を責め、自分を罰し、苦しむことを望み続けた結果、その願いが本当に叶ってしまう。
そんな自己破壊的な感情の矛盾と、その姿の滑稽さを、ひまわりというモチーフに託して表現した作品です。

本来、太陽に向かって咲くひまわりは、希望や生命力の象徴。
しかしこの作品では、その意味を反転させています。

手に握られたひまわりは、自分自身へ向けた刃。
頭に咲くひまわりは、自責の念に支配されていく心を象徴しています。

キルヒナーの描く人物の歪みや、尖った線、木版画を思わせる荒々しい表現から着想を得て、ひまわりそのものを「凶器」のように変形させています。

さらに、中央に描かれた人物には自分自身を重ね、痛々しい状況でありながら、どこか**「そこまで自分を追い詰めなくてもいいのに」という滑稽さ**が残るように描いています。

色彩も、キルヒナーの限定された色使いにならい、黄土色・黄色・白・黒の4色に絞っています。
強烈な赤や青を使わないことで、むしろ画面の異様さと乾いた緊張感を際立たせています。

この作品が描いているのは、単純な「苦しみ」ではありません。

「自分を傷つけようとしている自分を、少し離れたところから見たら、そこには悲しさと同時に、どこか滑稽な人間の姿がある。」

そんな、人間の矛盾を描いています。

そして最後に残るのは、憎しみではなく、自分自身を追い詰めてしまう人間への哀しさと可笑しさ。

ひまわりプロジェクトの中でも、かなり異質で、強烈な一作です。"

🇷🇺カンディンスキー着想

No.15「ひまわりの歌」
"「ひまわりに歌を歌わせたい」。
そんな想いから生まれた、ひまわりの姿ではなく、ひまわりが持つエネルギーそのものを音楽として表現した抽象作品です。
カンディンスキーが、色や形を使って音楽や感情を表現したように、この作品では具体的なひまわりの形を描くことにとらわれず、線・色・形・筆の動きによって「音」を描いています。
制作前に完成図を決めるのではなく、その場で生まれる感覚を頼りに、一筆ずつ絵と対話するように制作。
「次にどんな形が生まれるのか、自分自身にも分からない」
そんな即興演奏のような制作時間そのものを、作品として残しました。
画面にはさまざまな色や形が重なり合い、まるでピアノ、ギター、ドラム、ボーカルなど、異なる楽器が一緒に演奏しているような「ひまわりのオーケストラ」が広がっています。
また、カンディンスキーが自身の記憶や故郷を作品の内側に取り込んだように、あけわか自身の故郷である沖縄の風景や記憶も、直接的な風景としてではなく、色や形、リズムとして作品の中に溶け込ませています。
この作品には、「こう描かなければならない」という正解を手放すことも大きなテーマとして込められています。
何に見えるか、どんな音が聞こえるかは、見る人によって違っていい。
音は目には見えないけれど、色や形には確かにリズムがある。
だからこの作品を眺める人それぞれに、自分だけの「ひまわりの歌」が聞こえてくる。
そんな自由な鑑賞体験を目指した作品です。"

🇩🇪マックス・ベックマン着想

No.16「ひまわりの宴」
"一見すると、ひまわりたちが楽しそうに集う賑やかな宴。
しかし、その華やかな光景の中には、集団だからこそ生まれる狂気、孤独、支配、消費、自己犠牲が存在している。
明るく前向きなイメージを持つひまわりをあえて擬人化し、人間社会における「集団の強さと怖さ」を表現しました。
テーブルの上に並んでいるのは、ひまわりの種や茎。これらは日常で交わされる「話の種」、つまり噂話の比喩です。
誰かの噂や存在を消費しながら宴を楽しむひまわりたちは、私たちが無意識のうちに他者を話題にし、消費し、ときには傷つけながら生きている姿を映しています。
また、宴のテーブルは棺をイメージして構成しています。楽しく食事を囲む場所でありながら、その土台には「誰かの犠牲」が横たわっているという、皮肉な構造です。
画面には、集団に溶け込めず孤独を抱えるひまわりや、自分を傷つけることで集団の輪を保とうとするひまわりも描かれています。
画面いっぱいにひまわりを詰め込んだ窮屈な構図は、ベックマン特有の逃げ場のない空間から着想を得たもの。
さらに、黄色・青・赤などの強烈な色彩をぶつけ合うことで、明るさの裏にある不穏さを際立たせています。
「ひまわり」という明るいモチーフを反転させることで、人間社会の集団心理と、その中で生きる一人ひとりの複雑な感情を描いた作品です。"

🇦🇹シーレ着想

No.17「老いの気配」
"エゴン・シーレが描いた「生と死」や、肉体をありのままにさらけ出す表現から着想を得て、「老い」をテーマにした自画像とひまわりの作品です。
画面に描かれた三本のひまわりは、すべて枯れていく途中の姿をしています。
年齢を重ねることで少しずつ変化していく身体や、避けることのできない衰えを、枯れゆくひまわりに重ねました。
画面上部から覆いかぶさるように咲く巨大な枯れひまわりは、迫りくる「老い」や「死の気配」そのものです。
逃れることのできない時間が、静かに、しかし圧倒的な存在として迫ってきます。
一方、手の中に握られたひまわりだけは、まだ茎が真っ直ぐに伸びています。
それは、老いを受け入れなければならないと分かっていながら、
「まだ若くいたい」
「枯れたくない」
「このままでいたい」
と願う、自分自身の若さへの執着を象徴しています。
中央に描かれた人物は自画像です。シーレが繰り返し自画像を描いたように、自分自身の身体と向き合い、今の自分が感じる変化や恐れをそのまま画面にさらけ出しました。
特に手や肌には、黄土色、青、赤など複数の色を重ね、シーレの生々しい肉体表現を意識しています。衣服のシワも単なる布の質感ではなく、筋肉や血管のように描くことで、身体の内側まで見えてしまうような感覚を表現しました。
さらに、枯れたひまわりの中心には、「Presence of Death（死の気配）」という言葉をモールス信号に変換して忍ばせています。
死は目に見えなくても、私たちは誰もが少しずつそこへ向かっている。
その事実を、ひまわりの中心にひっそりと刻みました。
28歳という若さで亡くなったシーレが見ることのできなかった「その先の老い」を、現代を生きる自分自身の身体を通して描く。
老いることを受け入れたい自分と、若さにしがみつきたい自分。
その矛盾した二つの感情を、一人の人間と、枯れていくひまわりの姿に重ねた作品です。"

🇦🇹オスカー・ココシュカ着想

No.18「依存し合うひまわりたち」
"「愛ってなんでしょう？」
そんな問いから生まれた作品です。
オスカー・ココシュカと恋人アルマとの激しい関係や、別れた恋人の等身大人形を制作するほどの執着から着想を得て、「愛と依存の境界線」をひまわりで表現しました。
画面には、二つのひまわりが互いに絡まり合い、しがみつくように存在しています。
二つは寄り添っているからこそ立っていられる。
けれど、そのつながりを少しでも離してしまえば、今にも二つとも崩れてしまいそうです。
ひまわりに絡みつく糸や紐のような線は、二人をつなぐ愛情であると同時に、互いを縛りつける鎖でもあります。
「一緒にいるから幸せ」なのか、
「一緒にいないと生きていけない」のか。
その境界は、とても曖昧です。
真上から二つのひまわりを見下ろす構図によって、二人だけの閉じた世界を表現しました。
そこには花畑のような美しさが広がる一方で、逃げ場のない窮屈さも存在しています。
色彩も一色ではなく、キャンバスの上で色を混ぜながら描くことで、愛情、安心、執着、苦しさといった簡単には分けられない感情の混ざり合いを表現しています。
制作中に描くラインそのものに苦しさを感じるほど、ひまわりの一枚一枚の花びらに強い意志を込めました。
この作品が問いかけるのは、
「愛することと、依存することは同じなのだろうか？」ということ。
支え合っているように見える二つのひまわりは、実はお互いなしでは立っていられない。
愛しているから離れられない。
でも、離れられないことは、本当に愛なのだろうか。
そんな愛の美しさと危うさを、一枚のひまわりに託した作品です。"

🇧🇾シャイム・スーティン着想

No.19「感情のひまわり」
"シャイム・スーティンの激しく歪んだ表現や、生々しい肉体感から着想を得て、「女性特有の感情の揺らぎ」をひまわりとして表現した作品です。
理由もなく幸せになったり、突然悲しくなったり、怒りや孤独に飲み込まれたり。
自分自身でも完全にはコントロールできない、日々刻々と変化する感情の波を、一輪一輪のひまわりに託しました。
作品の土台には、スーティンが描いた肉や血を思わせる生々しい赤を重ねています。
その上に描かれているのは、自分自身を抱きしめる女性。
胸元には剥き出しの心臓があり、そこから溢れ出した感情が、細い線となって画面いっぱいに広がっています。
ひまわりの花びらや茎に絡みつく線は、植物の輪郭ではなく、神経や細胞をイメージしたものです。
喜び、不安、怒り、孤独。
感情は一つひとつ綺麗に分けられるものではなく、複雑に絡み合いながら心と身体の中を巡っていく。
その不安定さそのものを、スーティンの「歪み」と重ね合わせました。
また、背景の闇には、普段は見せたくない感情を象徴する「影のひまわり」を潜ませています。
明るく振る舞っている自分の奥にも、言葉にできない感情や、誰にも見せたくない部分が存在している。
それを隠すのではなく、あえて画面の中に咲かせました。
スーティンが持つ、「気持ち悪さの中にある美しさ」に共鳴し、美しく整えることよりも、内側から溢れ出る生々しい感情そのものを描くことを選んだ作品です。
感情は、抑え込むべきものではなく、生きているからこそ生まれるもの。
その揺らぎさえも一つの生命として受け入れ、ひまわりとして咲かせた作品です。"

🇮🇪フランシス・ベーコン着想

No.20「ひまわりと肉体」（左）
"フランシス・ベーコンが追求した三連画（トリプティック）の構造から着想を得て、ひまわりと肉体が融合した存在を描いた作品です。
以前制作したベーコン着想作品を一度塗りつぶし、その上から全く新しい作品として再構築しました。
今回意識したのは、「物語を描かないこと」。
前作では、3枚の画面に時間の流れや感情の変化が生まれていました。
しかし今回は、あえてそれを取り除きました。
3枚の画面には「過去・現在・未来」という順序も、始まりや終わりもありません。
そこにあるのは、ただ同時に存在する3つの断片。
何が起こったのか。
この身体は何なのか。
なぜひまわりと肉体が一体化しているのか。
その答えは描かず、見る人それぞれの想像に委ねています。
画面には、全身ではなく、胸やお尻など身体の一部分とひまわりが融合した「ひまわり人間」が現れます。
植物と肉体、生と死、美しさと不気味さ。
本来は別々に存在するものを一つにすることで、どこか生々しく、そして説明できない違和感を生み出しました。
ひまわりにも、あえて緑を使っていません。
ピンク、赤、茶色など、肉体を思わせる色だけで花を描くことで、「植物なのか、肉体なのか分からない」境界の曖昧さを強調しています。
三枚の背景は同じ色でつなげることで同じ空間に存在しているように見せながら、キャンバスそのものは分断されています。
さらに、左右のパネルと中央のパネルの高さをあえてずらし、組み合わせると境界がつながるようにすることで、分断されているのに一つでもあるという矛盾を構造そのものに込めました。
ベーコン作品に登場する「黒い扉」も取り入れ、画面の奥に不安や死の気配を残しています。
そして、筋肉や肉体の流れを描く中で偶然生まれた筆跡や、針金のような質感、透けるような背景もあえて残しました。
意味を決めすぎない。
物語を説明しすぎない。
ただ、そこに存在するものを提示する。
これまで描いてきたシーレ、スーティン、ベーコンなどから学んだ「歪み」や「肉体」という要素を、ひまわりという自分自身のモチーフに融合させた作品です。"

🇮🇪フランシス・ベーコン着想

No.20「ひまわりと肉体」（中央）
"フランシス・ベーコンが追求した三連画（トリプティック）の構造から着想を得て、ひまわりと肉体が融合した存在を描いた作品です。
以前制作したベーコン着想作品を一度塗りつぶし、その上から全く新しい作品として再構築しました。
今回意識したのは、「物語を描かないこと」。
前作では、3枚の画面に時間の流れや感情の変化が生まれていました。
しかし今回は、あえてそれを取り除きました。
3枚の画面には「過去・現在・未来」という順序も、始まりや終わりもありません。
そこにあるのは、ただ同時に存在する3つの断片。
何が起こったのか。
この身体は何なのか。
なぜひまわりと肉体が一体化しているのか。
その答えは描かず、見る人それぞれの想像に委ねています。
画面には、全身ではなく、胸やお尻など身体の一部分とひまわりが融合した「ひまわり人間」が現れます。
植物と肉体、生と死、美しさと不気味さ。
本来は別々に存在するものを一つにすることで、どこか生々しく、そして説明できない違和感を生み出しました。
ひまわりにも、あえて緑を使っていません。
ピンク、赤、茶色など、肉体を思わせる色だけで花を描くことで、「植物なのか、肉体なのか分からない」境界の曖昧さを強調しています。
三枚の背景は同じ色でつなげることで同じ空間に存在しているように見せながら、キャンバスそのものは分断されています。
さらに、左右のパネルと中央のパネルの高さをあえてずらし、組み合わせると境界がつながるようにすることで、分断されているのに一つでもあるという矛盾を構造そのものに込めました。
ベーコン作品に登場する「黒い扉」も取り入れ、画面の奥に不安や死の気配を残しています。
そして、筋肉や肉体の流れを描く中で偶然生まれた筆跡や、針金のような質感、透けるような背景もあえて残しました。
意味を決めすぎない。
物語を説明しすぎない。
ただ、そこに存在するものを提示する。
これまで描いてきたシーレ、スーティン、ベーコンなどから学んだ「歪み」や「肉体」という要素を、ひまわりという自分自身のモチーフに融合させた作品です。"

🇮🇪フランシス・ベーコン着想

No.20「ひまわりと肉体」（右）
"フランシス・ベーコンが追求した三連画（トリプティック）の構造から着想を得て、ひまわりと肉体が融合した存在を描いた作品です。
以前制作したベーコン着想作品を一度塗りつぶし、その上から全く新しい作品として再構築しました。
今回意識したのは、「物語を描かないこと」。
前作では、3枚の画面に時間の流れや感情の変化が生まれていました。
しかし今回は、あえてそれを取り除きました。
3枚の画面には「過去・現在・未来」という順序も、始まりや終わりもありません。
そこにあるのは、ただ同時に存在する3つの断片。
何が起こったのか。
この身体は何なのか。
なぜひまわりと肉体が一体化しているのか。
その答えは描かず、見る人それぞれの想像に委ねています。
画面には、全身ではなく、胸やお尻など身体の一部分とひまわりが融合した「ひまわり人間」が現れます。
植物と肉体、生と死、美しさと不気味さ。
本来は別々に存在するものを一つにすることで、どこか生々しく、そして説明できない違和感を生み出しました。
ひまわりにも、あえて緑を使っていません。
ピンク、赤、茶色など、肉体を思わせる色だけで花を描くことで、「植物なのか、肉体なのか分からない」境界の曖昧さを強調しています。
三枚の背景は同じ色でつなげることで同じ空間に存在しているように見せながら、キャンバスそのものは分断されています。
さらに、左右のパネルと中央のパネルの高さをあえてずらし、組み合わせると境界がつながるようにすることで、分断されているのに一つでもあるという矛盾を構造そのものに込めました。
ベーコン作品に登場する「黒い扉」も取り入れ、画面の奥に不安や死の気配を残しています。
そして、筋肉や肉体の流れを描く中で偶然生まれた筆跡や、針金のような質感、透けるような背景もあえて残しました。
意味を決めすぎない。
物語を説明しすぎない。
ただ、そこに存在するものを提示する。
これまで描いてきたシーレ、スーティン、ベーコンなどから学んだ「歪み」や「肉体」という要素を、ひまわりという自分自身のモチーフに融合させた作品です。"

🇫🇷マティス着想

No.21「緑のひまわりと踊るオレンジの女性」
"アンリ・マティスの「色彩の解放」と装飾性から着想を得て、「とにかく明るく、見ているだけで楽しくなれる絵」を目指して描いた作品です。
テーマは、春の訪れと解放。
新しい生活が始まる4月。冬の間に縮こまっていた身体が伸びていくような、「春が来た！」という喜びを、ひまわりと踊る女性の姿に重ねました。
マティスの《ダンス》を思わせるように、女性は全身を大きく広げ、自由に踊っています。
その周囲には、まるで音楽に合わせて踊るようにひまわりが配置されています。
ここでは、ひまわりを「黄色い花」として描くことにもこだわっていません。
鮮やかなオレンジの背景に、その補色である緑のひまわりを配置することで、現実の色から解放され、画面全体が弾けるようなエネルギーを生み出しました。
マティスのように、ひまわりを写実的な植物ではなく、壁紙や花瓶の模様として楽しめる「装飾」や「記号」へと変化させています。
ひまわりの形と女性の「万歳」のポーズを呼応させることで、画面全体にリズムをつくりました。
さらに、床には人工芝を思わせる緑を置き、現実的な奥行きをあえて排除。平面的な画面の中に、色と形が自由に広がる世界をつくっています。
女性、ひまわり、花瓶、テーブル、レコードなど、画面に登場するものには丸みのある形を多く取り入れ、作品全体に柔らかく楽しいリズムを持たせました。
また、マティスが制作の跡や下の色をあえて残したように、塗り重ねた色の隙間から下地が覗く部分も残しています。
完成された「完璧な絵」ではなく、描いている瞬間の楽しさまで画面に残すことを大切にしました。
この作品で描きたかったのは、難しい意味ではありません。
「楽しい！」
「自由！」
「春が来た！」
そんな、身体が自然に踊り出してしまうような感覚。
これまでの作品で見つめてきた不安や苦しみとは反対側にある、生きていることそのものの喜びを、ひまわりと踊る女性に託した作品です。"

🇫🇷ドローネー着想

No.22「ひまわりの花束を君に」
"ロベール・ドローネーが追求した「オルフィスム」――色そのものを主役として、色の組み合わせによって動きや光を生み出す表現から着想を得て制作した作品です。
テーマは、春の訪れと、新しい生活が始まるときの高揚感。
画面中央では、一人の女性がひまわりの花束を抱え、まるで観る人に「はい、どうぞ」と差し出すように立っています。
タイトルの「春を運ぶ」という言葉には、ひまわりの花束を通して、春の明るさや新しい季節のエネルギーを誰かに届けたいという思いが込められています。
画面全体には、ドローネーを象徴する円が広がっています。
背景の円は、春の風が渦巻いているようにも、光が波紋のように広がっているようにも見えます。
さらに、黒い影や白いハイライトに頼らず、隣り合う色同士の組み合わせだけで明暗や立体感を生み出すことに挑戦しました。
黄色のひまわりの隣には青や緑を置き、桜を思わせるピンクや新緑の色も加えています。
そこにネオンカラーや「夢かわいい」ような現代的な色彩感覚を混ぜることで、ドローネーの色彩表現をそのまま再現するのではなく、現代の春として再構築しました。
この作品で特に大切にしたのが、「実験するように描く」こと。
完成図を最初から決めるのではなく、
「この色の隣に、この色を置いたらどう見える？」
と、まるで科学者や研究者のように色を組み合わせ、画面の変化を観察しながら制作しました。
そのため、この作品は「完成した答え」というより、色彩についての一つの実験結果でもあります。
色と色が隣り合うことで生まれる視覚的な振動。
円が繰り返されることで生まれるリズム。
そして、ひまわりの花束から広がっていく春のエネルギー。
色そのものが、春を運んでくる。
そんな感覚を、一枚のキャンバスに閉じ込めた作品です。"

🇫🇷デュフィ着想

No.23「春のアトリエ」
"ラウル・デュフィの軽やかな筆致と、生きる喜びに満ちた色彩から着想を得て、「春の風と幸せを運ぶひまわり」を描いた作品です。
舞台は、あけわか自身が日々制作を行うアトリエ。
上から見下ろすような視点で空間を捉え、その中心には、現在取り組んでいる「1年間ひまわりを描き続けるプロジェクト」を象徴する、大きなひまわりのキャンバスを置きました。
春の温かな日差しを感じさせるレモンイエローを中心に、パステルカラーを重ね、ポカポカとした空気が部屋いっぱいに広がるような空間を表現しています。
デュフィから学んだのは、線と色を自由に動かす軽やかさ。
色を大胆に置いたあと、細い筆でリズミカルな線を重ねることで、絵の中に風が通り抜けるような動きをつくりました。
また、デュフィの作品に見られる自由な比率にも倣い、画面の中で最も見せたいひまわりをあえて大きく描いています。
一方、キャンバスが透けるような表現を取り入れることで、重さを感じさせない、まるでガラスに描いたような透明感を生み出しました。
制作を始めた日は強い雨。
そのため窓の外には、灰色に霞む雨の景色と、雨宿りをする小鳥を描いています。
外は雨でも、アトリエの中には暖かな光がある。
雨の日にも、心の中には春をつくることができる。
そんな対比も、この作品に込められています。
デュフィが描いたような「生きる喜び」を、自分自身のアトリエとひまわりに重ねながら、
「この絵を見た人の心にも、爽やかな春の風が吹きますように。」
「この絵が、誰かに小さな幸せを運びますように。」
そんな願いを込めて描いた作品です。"